Wer entscheidet, was Kunst ist?

Wann wird ein Gegenstand zu Kunst? Reicht es, wenn ein Kunstschaffender ihn als Kunst bezeichnet? Muss ein Museum ihn ausstellen? Braucht es ein Publikum, das ihn als Kunst wahrnimmt? Oder entscheidet am Ende der Markt? Ein Blick in die Kunstgeschichte zeigt, dass die Grenzen dessen, was als Kunst gilt, immer wieder neu gezogen wurden. Die Selbstverständlichkeit dessen, was als Kunstwerk betrachtet wird, ist keine historische Konstante, sondern unterliegt dem Wandel der Zeit. Kunst ist deshalb nicht nur das Ergebnis individueller Kreativität, sondern auch das Resultat gesellschaftlicher Entscheidungen darüber, was sichtbar, ästhetisch, sammel- und erinnerungswürdig ist.

Von der Akademie zum Readymade und die Kunst der Moderne

Über lange Zeit war relativ klar geregelt, was als Kunst gelten konnte und wer sie hervorbringen durfte. In der europäischen Kunstgeschichte waren Malerei, Bildhauerei und Architektur an bestimmte handwerkliche Fähigkeiten und institutionelle Strukturen gebunden. Künstler arbeiteten im Auftrag der Kirche, des Hofes oder wohlhabender Familien und bewegten sich innerhalb etablierter Vorstellungen von Schönheit, Funktion und Qualität. Auch die Ausbildung folgte festen Regeln. Die Akademien bestimmten, welche Techniken beherrscht werden mussten und welche Motive als besonders anspruchsvoll galten. Die sogenannte Hierarchie der Gattungen stellte etwa die Historienmalerei über Porträt, Landschaft und Stillleben. Was Kunst war, wurde somit nicht allein vom Künstler entschieden, sondern durch ein ganzes System aus Auftraggebern, Institutionen und gesellschaftlichen Erwartungen. 

Im 19. Jahrhundert begann sich dieses System zu verändern. Künstler wie Gustave Courbet wandten sich gegen die akademischen Vorstellungen davon, welche Motive der Kunst würdig seien. Statt mythologischer oder historischer Szenen malte Courbet Arbeiter, Bauern und Alltagssituationen. Mit seinem Pavillon du Réalisme stellte er sich 1855 bewusst außerhalb des offiziellen Ausstellungssystems. Die Frage, was ein angemessenes Motiv für Kunst sei, wurde damit selbst zum Gegenstand künstlerischer Auseinandersetzung. 

Den wohl radikalsten Einschnitt vollzog jedoch Marcel Duchamp. 1917 reichte er unter dem Namen „R. Mutt“ ein industriell gefertigtes Urinal mit dem Titel Fountain bei der Ausstellung der Society of Independent Artists in New York ein. Das Objekt war weder von Duchamp hergestellt worden noch entsprach es den traditionellen Vorstellungen von handwerklicher Kunstfertigkeit. Entscheidend war vielmehr das Konzept des Readymades: Ein bereits existierender Gegenstand wurde durch die künstlerische Setzung und seinen neuen Kontext zum Kunstwerk. Gleichzeitig zeigt Fountain, dass diese Setzung allein nicht über den Status eines Kunstwerks entscheidet. Das zunächst von der Ausstellungskommission abgelehnte Objekt wurde erst durch einen anhaltenden Prozess der Anerkennung Teil der Kunstgeschichte.

Die Akteuren der Sichtbarkeit

Damit rücken die Institutionen in den Mittelpunkt. Museen, Galerien, Sammlungen und Kunsthochschulen sind keine neutralen Ausstellungsorte. Sie prägen mit ihrer Auswahl, was Aufmerksamkeit bekommt, relevant und bewahrenswert ist. Wer in wichtigen Sammlungen vertreten ist, wird erforscht, publiziert und gefördert. Auf diese Weise entsteht ein Kreislauf, durch den sich bestimmte Schaffende und Werke im kulturellen Gedächtnis festigen. 

Besonders deutlich wird diese Auswahl am kunsthistorischen Kanon. Über Jahrhunderte prägten vor allem europäische, männliche Künstler das Bild der Kunstgeschichte, während Künstlerinnen, außereuropäische Kunst und marginalisierte Positionen deutlich weniger Eingang in Sammlungen und Forschung fanden. Künstlerinnen wie Artemisia Gentileschi, Camille Claudel oder Hilma af Klint wurden erst lange nach ihrer Wirkzeit wiederentdeckt oder stärker in ihrer eigenen künstlerischen Bedeutung wahrgenommen. Auch die Moderne zeigt, wie solche Zuschreibungen entstehen können. Jackson Pollock gilt heute als einer der zentralen Vertreter des Abstrakten Expressionismus und wurde vor allem für seine ab 1947 entwickelte Drip-Technik bekannt. Die Künstlerin Janet Sobel hatte jedoch bereits Anfang der 1940er Jahre mit einer vergleichbaren All-over-Technik gearbeitet. Ihre Arbeiten fanden weit weniger Beachtung, während Pollocks Werk zum kunsthistorischen Bezugspunkt wurde. 

Neben den Institutionen prägt auch der Kunstmarkt, welche Positionen Aufmerksamkeit erhalten. Galerien schaffen Sichtbarkeit, Sammler bestimmen durch ihre Ankäufe mit, welche Werke in Umlauf bleiben, und Auktionshäuser machen Marktwerte öffentlich sichtbar. Wo sich institutionelle Anerkennung und wirtschaftlicher Erfolg verbinden, gewinnen bestimmte Positionen an Sichtbarkeit und langfristig auch an Gewicht. Das Publikum ist eine weitere Instanz, die Einfluss auf die Anerkennung von Kunst hat, denn auch seine Reaktionen, insbesondere auf provokante oder irritierende Werke, prägen deren Wahrnehmung mit.