Fröhliche Wissenschaft
| Edition | Unikat |
|---|---|
| Sujet | Mythologie und Symbolismus |
| Technik | Malerei |
| Höhe | 45 cm |
| Breite | 45 cm |
| Länge/Tiefe | 2 cm |
Acryl und Papier auf gebatikter Leinwand auf Keilrahmen
gerahmt
2020
Auf einem mit Bleiche gebatikten Leinwandstoff entfaltet sich eine sorgfältig durchdachte Komposition aus Punkten, die als sogenannte "minimale Reflexionseinheiten" konzipiert sind. Diese Reflexionseinheiten, die in Farbe, Form und Anordnung variieren, treten aus dem organischen, texturierten Hintergrund des gebleichten Stoffes hervor und erzeugen eine harmonische, aber spannungsreiche Struktur. Dabei laden sie den Betrachter dazu ein, die feinen Nuancen ihrer Platzierung und Interaktion zu erkunden.
Der gebleichte Stoff dient dem Künstler als Bühne, auf der die Reflexionseinheiten mit Präzision und Experimentierfreude inszeniert werden. Die unregelmäßigen Muster des Stoffes bilden eine faszinierende Textur, die mit den leuchtenden Punkten interagiert. Diese variieren nicht nur in ihrer Position, sondern auch in ihrer Form, was die Dynamik und Vielschichtigkeit der Komposition verstärkt. Manche Punkte scheinen sich in verspieltere Kompositionen aufzugliedern, während andere durch Farb- und Formvariation Emotionen und Stimmungen hervorrufen. Ergänzt werden sie durch eine applizierte Serviette, die ein fröhlich lächelndes Gesicht zeigt. Dieses Motiv bringt eine spielerische Note in die Komposition und bildet einen spannenden Kontrast zur konzeptionellen Strenge der Reflexionseinheiten. Der Titel des Werkes, „Fröhliche Wissenschaft“, verweist auf Friedrich Nietzsche und bringt eine philosophische Dimension ins Spiel, die das Werk über das rein Visuelle hinaus bereichert.
Eine zusätzliche Dimension erhält das Werk durch die gezielte Rahmung: Ein moderner Schattenfugenrahmen aus Buchenholz-Leisten, der mit feinen Nägeln an das Bild geheftet ist, umgibt die Arbeit. Diese Rahmung verleiht der Komposition eine klare Struktur, ohne ihre Leichtigkeit zu mindern, und lenkt den Blick des Betrachters gezielt auf die detaillierte Oberfläche des Werks.
Die Komposition besticht durch eine Farbpalette, die zwischen intensiven, vollen Tönen und subtilen Kontrasten changiert. Diese Farbgebung, zusammen mit der durchdachten Anordnung der Punkte, erzeugt eine Stimmung, die zwischen meditativer Ruhe und dynamischer Energie oszilliert. Sie fordert den Betrachter auf, sich tiefer mit den möglichen Bedeutungen und Konnotationen des Bildes auseinanderzusetzen.
Die Arbeit ist exemplarisch für die analytische Malerei, die grundlegende Elemente wie Farbe, Form und Struktur intensiv erforscht. Der Künstler nutzt die Reflexionseinheiten nicht nur als gestalterisches, sondern auch als konzeptuelles Mittel, um Fragen nach Ordnung, Zufall und Ästhetik aufzuwerfen. Die Verbindung von minimalistischen Formen, einer taktilen Bildoberfläche und einer prägnanten Rahmung macht diese Werke zu beeindruckenden Beispielen einer Malerei, die sowohl formal als auch inhaltlich tiefgründig ist. Sie laden den Betrachter ein, sich in die subtilen Details der Komposition zu vertiefen und ihre Bedeutung in einem persönlichen Dialog zu erschließen.
Konstantin Lischkoff-Knecht
Herr Knecht studierte 2012 bis 2020 Freie Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München, bei Günther Förg und Jorinde Voigt.
Knecht nahm auch bei der Projektklasse Anne Imhof teil und stand in regem Austausch mit diversen Profesor*innen und Student*innen der Akademie.
Artist Statement
Meine künstlerische Reise ist tief verwurzelt im abstrakten Expressionismus, einem Stil, der sich durch spontane, emotionale und ungezügelte Ausdrucksformen auszeichnet. Die Werke von Pionieren wie Mark Rothko, Willem de Kooning, aber auch Künstler wie Cy Twombly und Georg Baselitz haben mein Verständnis und meine Wertschätzung für die rohe, unmittelbare Kraft der Farbe und Form maßgeblich geprägt.
In meinen Gemälden strebe ich danach, die Grenzen der visuellen Sprache auszuloten und die Emotionen und Gedanken, die mich bewegen, auf die Leinwand zu bringen. Der abstrakte Expressionismus bietet mir die Freiheit, mich jenseits der traditionellen Formen und Vorstellungen auszudrücken. Diese Stilrichtung erlaubt es mir, mit Farben, Texturen und Kompositionen zu experimentieren, um eine tiefe und oft intuitive Resonanz zu erzeugen.
Jede Leinwand ist für mich eine Schlachtbank, auf der ich mit inneren Konflikten, Gefühlen und Gedanken abrechne. Die Bewegung des Pinsels, das Fließen von Farbe und die groben Gesten spiegeln die Intensität und Spontaneität wider, die den Kern meiner Arbeit ausmachen. Der Faktor Zeit spielt bei der Entstehung eine ganz intime Rolle: Das Fließen der Farbe und das damit verbundene Entstehen des Bildes ist für mich ein Vergehen der unmittelbar verhandelten Zustände meines Innenlebens. Dieser Prozess wird der Betrachter*in letztlich unterschlagen – zu Gesicht bekommt die Betrachter*in lediglich das Urteil meines Prozesses. Durch diese ungefilterte künstlerische Ausdrucksweise strebe ich danach, die Betrachter*innen in eine Gefühls-Welt zu ziehen, die ebenso subjektiv und vielschichtig ist wie die menschliche Erfahrung selbst.
Der abstrakte Expressionismus hat mir nicht nur einen stilistischen Rahmen, sondern auch eine philosophische Grundlage gegeben. Er erinnert mich daran, dass Kunst nicht nur gesehen, sondern erlebt werden sollte – sie soll eine direkte und oft persönliche Verbindung zwischen dem Werk und dem Betrachter schaffen.
Ausstellungen (Auswahl):
2015 Polish Institute Platan / Latarka Gallery (Budapest)
2015 Salon Kennedy (Frankfurt)
2015 Kunstverein Wiesbaden (Wiesbaden)
2016 Katholische Akademie München (München)
2017 Lothringer 13 (München)
2017 Art Homes (München)
2018 Kunstarkaden (München)
2018 Haus 10 (Fürstenfeldbruck)
2023 Kunstarkaden (München)
2024 Kunstpavillon (München)
