Waldgang im Unterholz
| Heigth | 160 cm |
|---|---|
| Width | 150 cm |
| Length/Depth | 5 cm |
2021-2025
Acryl auf Leinwand
Dieses Gemälde zeigt einen kleinen, verdorrten Baum, der im Unterholz eines Waldes steht. Sein Stamm ist von herabhängendem Moos überzogen, seine Äste wirken brüchig und ausgedünnt, fast aufgelöst in der umgebenden Vegetation. Das Motiv entstammt keiner idealisierten Vorstellung von Natur, sondern einer konkreten Beobachtung: Der Künstler begegnete diesem Baum während jahrelanger Waldspaziergänge in der Nähe seines Ateliers. Mit der Zeit wurden diese Wege bewusster, führten tiefer ins Unterholz hinein und entwickelten sich zu einer Quelle kontinuierlicher Wahrnehmung und Inspiration.
Die Malerei entsteht aus einem prozesshaften Umgang mit Farbe. Stark verdünnte Pigmente werden in mehreren Schichten auf die Bildfläche gebracht und dürfen unter dem Einfluss der Schwerkraft fließen. Die Farbe rinnt, sammelt sich, verdichtet sich und trocknet in vertikalen Bahnen. Diese Technik erzeugt keine glatte Oberfläche, sondern ein Geflecht aus Spuren, Ablagerungen und Durchbrüchen, das an natürliche Prozesse erinnert: an Regen, an Sickerwasser, an das langsame Überziehen von Oberflächen durch Moos und Zeit.
Der Baum selbst wird nicht zeichnerisch fixiert, sondern wächst aus der Malerei heraus. Seine Gestalt entsteht durch Überlagerungen von hellen, erdigen und grünen Tönen, die sich vom unteren Bildrand nach oben verdichten. Weißliche und fahle Graunuancen lassen den Stamm porös erscheinen, während grüne und braune Farbschichten den feuchten Waldboden andeuten. Die herablaufenden Linien der Farbe greifen das Motiv des Mooses auf und übertragen es in eine malerische Bewegung.
Inhaltlich steht das Werk in einer Tradition der Naturbegegnung, die weniger auf Darstellung als auf Erfahrung zielt. Der Wald erscheint hier nicht als idyllische Landschaft, sondern als Ort des Übergangs, des Werdens und Vergehens. Der kleine, verdorrte Baum ist kein heroisches Motiv, sondern ein beiläufiges, beinahe übersehenes Detail – gerade dadurch von besonderer Präsenz. Er wird zum Träger einer stillen Aufmerksamkeit, wie sie auch die Romantiker suchten: nicht im Erhabenen, sondern im scheinbar Unscheinbaren.
So verbindet das Bild gegenständliche Beobachtung mit einem offenen malerischen Prozess. Die Technik folgt denselben Gesetzmäßigkeiten wie das Motiv selbst: Fließen, Ablagern, Auflösen. Malerei und Natur geraten in ein stilles Echo zueinander. Das Werk lädt dazu ein, langsamer zu sehen – und sich auf jene unspektakulären Momente einzulassen, in denen Wahrnehmung, Erinnerung und Material eine gemeinsame Form finden.
Konstantin Lischkoff-Knecht
Herr Knecht studierte 2012 bis 2020 Freie Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München, bei Günther Förg und Jorinde Voigt.
Knecht nahm auch bei der Projektklasse Anne Imhof teil und stand in regem Austausch mit diversen Profesor*innen und Student*innen der Akademie.
Artist Statement
Meine künstlerische Reise ist tief verwurzelt im abstrakten Expressionismus, einem Stil, der sich durch spontane, emotionale und ungezügelte Ausdrucksformen auszeichnet. Die Werke von Pionieren wie Mark Rothko, Willem de Kooning, aber auch Künstler wie Cy Twombly und Georg Baselitz haben mein Verständnis und meine Wertschätzung für die rohe, unmittelbare Kraft der Farbe und Form maßgeblich geprägt.
In meinen Gemälden strebe ich danach, die Grenzen der visuellen Sprache auszuloten und die Emotionen und Gedanken, die mich bewegen, auf die Leinwand zu bringen. Der abstrakte Expressionismus bietet mir die Freiheit, mich jenseits der traditionellen Formen und Vorstellungen auszudrücken. Diese Stilrichtung erlaubt es mir, mit Farben, Texturen und Kompositionen zu experimentieren, um eine tiefe und oft intuitive Resonanz zu erzeugen.
Jede Leinwand ist für mich eine Schlachtbank, auf der ich mit inneren Konflikten, Gefühlen und Gedanken abrechne. Die Bewegung des Pinsels, das Fließen von Farbe und die groben Gesten spiegeln die Intensität und Spontaneität wider, die den Kern meiner Arbeit ausmachen. Der Faktor Zeit spielt bei der Entstehung eine ganz intime Rolle: Das Fließen der Farbe und das damit verbundene Entstehen des Bildes ist für mich ein Vergehen der unmittelbar verhandelten Zustände meines Innenlebens. Dieser Prozess wird der Betrachter*in letztlich unterschlagen – zu Gesicht bekommt die Betrachter*in lediglich das Urteil meines Prozesses. Durch diese ungefilterte künstlerische Ausdrucksweise strebe ich danach, die Betrachter*innen in eine Gefühls-Welt zu ziehen, die ebenso subjektiv und vielschichtig ist wie die menschliche Erfahrung selbst.
Der abstrakte Expressionismus hat mir nicht nur einen stilistischen Rahmen, sondern auch eine philosophische Grundlage gegeben. Er erinnert mich daran, dass Kunst nicht nur gesehen, sondern erlebt werden sollte – sie soll eine direkte und oft persönliche Verbindung zwischen dem Werk und dem Betrachter schaffen.
Ausstellungen (Auswahl):
2015 Polish Institute Platan / Latarka Gallery (Budapest)
2015 Salon Kennedy (Frankfurt)
2015 Kunstverein Wiesbaden (Wiesbaden)
2016 Katholische Akademie München (München)
2017 Lothringer 13 (München)
2017 Art Homes (München)
2018 Kunstarkaden (München)
2018 Haus 10 (Fürstenfeldbruck)
2023 Kunstarkaden (München)
2024 Kunstpavillon (München)
