Schattenblau
| Heigth | 100 cm |
|---|---|
| Width | 100 cm |
| Length/Depth | 2 cm |
In diesem Werk entfaltet sich die Farbe als Ereignis. Ein sattes, tiefes Blau durchzieht die gesamte Fläche, verdichtet sich in feinen Schichten und offenbart eine komplexe Textur, die aus dem Zusammenspiel von Material, Gravitation und Zeit hervorgeht. Konstantin Lischkoff-Knecht arbeitet hier mit einer von ihm entwickelten Schütttechnik, bei der stark verdünnte Pigmente in wiederholten, lasierenden Vorgängen auf die Leinwand gebracht werden.
Das Verfahren folgt einem präzisen Rhythmus von Kontrolle und Loslassen. Während die Farbe der Gravitation überlassen wird, bleibt die Struktur des Flusses – seine Richtung, seine Intensität, seine Verdichtung – das Ergebnis einer bewussten Setzung. Die Oberfläche zeigt Spuren des Verlaufs, feinste Rinnsale und Verdichtungen, die an geologische oder organische Formationen erinnern. So wird die Leinwand zu einem sedimentierten Raum, in dem sich Zeit ablagert.
Das Blau, von besonderer Tiefe und Dichte, wirkt hier nicht als bloßer Farbton, sondern als atmosphärischer Zustand. Es öffnet eine räumliche Tiefe, die zugleich meditativen und materiellen Charakter besitzt. Das Werk scheint in sich zu atmen – ein ruhiger, pulsierender Resonanzraum aus Licht, Pigment und Bewegung.
Die Malerei Lischkoff-Knechts sucht nicht nach Darstellung, sondern nach Erscheinung. Die Farbe wird zum Träger einer physischen und zugleich geistigen Erfahrung. In der Reduktion auf das Monochrome liegt keine Verarmung, sondern eine Verdichtung: ein konzentrierter Dialog zwischen Oberfläche und Tiefe, Zufall und Intention, Materie und Wahrnehmung.
So ist Untitled (Blau II) mehr als eine Studie in Farbe – es ist eine Untersuchung des Sehens selbst. Das Auge wird eingeladen, zu verweilen, sich zu verlieren, die feinen Schichten der Oberfläche zu ertasten. Was entsteht, ist kein abgeschlossenes Bild, sondern ein Zustand: das leise Schweben zwischen Gewicht und Licht, zwischen Bewegung und Ruhe.
Konstantin Lischkoff-Knecht
Herr Knecht studierte 2012 bis 2020 Freie Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München, bei Günther Förg und Jorinde Voigt.
Knecht nahm auch bei der Projektklasse Anne Imhof teil und stand in regem Austausch mit diversen Profesor*innen und Student*innen der Akademie.
Artist Statement
Meine künstlerische Reise ist tief verwurzelt im abstrakten Expressionismus, einem Stil, der sich durch spontane, emotionale und ungezügelte Ausdrucksformen auszeichnet. Die Werke von Pionieren wie Mark Rothko, Willem de Kooning, aber auch Künstler wie Cy Twombly und Georg Baselitz haben mein Verständnis und meine Wertschätzung für die rohe, unmittelbare Kraft der Farbe und Form maßgeblich geprägt.
In meinen Gemälden strebe ich danach, die Grenzen der visuellen Sprache auszuloten und die Emotionen und Gedanken, die mich bewegen, auf die Leinwand zu bringen. Der abstrakte Expressionismus bietet mir die Freiheit, mich jenseits der traditionellen Formen und Vorstellungen auszudrücken. Diese Stilrichtung erlaubt es mir, mit Farben, Texturen und Kompositionen zu experimentieren, um eine tiefe und oft intuitive Resonanz zu erzeugen.
Jede Leinwand ist für mich eine Schlachtbank, auf der ich mit inneren Konflikten, Gefühlen und Gedanken abrechne. Die Bewegung des Pinsels, das Fließen von Farbe und die groben Gesten spiegeln die Intensität und Spontaneität wider, die den Kern meiner Arbeit ausmachen. Der Faktor Zeit spielt bei der Entstehung eine ganz intime Rolle: Das Fließen der Farbe und das damit verbundene Entstehen des Bildes ist für mich ein Vergehen der unmittelbar verhandelten Zustände meines Innenlebens. Dieser Prozess wird der Betrachter*in letztlich unterschlagen – zu Gesicht bekommt die Betrachter*in lediglich das Urteil meines Prozesses. Durch diese ungefilterte künstlerische Ausdrucksweise strebe ich danach, die Betrachter*innen in eine Gefühls-Welt zu ziehen, die ebenso subjektiv und vielschichtig ist wie die menschliche Erfahrung selbst.
Der abstrakte Expressionismus hat mir nicht nur einen stilistischen Rahmen, sondern auch eine philosophische Grundlage gegeben. Er erinnert mich daran, dass Kunst nicht nur gesehen, sondern erlebt werden sollte – sie soll eine direkte und oft persönliche Verbindung zwischen dem Werk und dem Betrachter schaffen.
Ausstellungen (Auswahl):
2015 Polish Institute Platan / Latarka Gallery (Budapest)
2015 Salon Kennedy (Frankfurt)
2015 Kunstverein Wiesbaden (Wiesbaden)
2016 Katholische Akademie München (München)
2017 Lothringer 13 (München)
2017 Art Homes (München)
2018 Kunstarkaden (München)
2018 Haus 10 (Fürstenfeldbruck)
2023 Kunstarkaden (München)
2024 Kunstpavillon (München)
